Мои Конспекты
Главная | Обратная связь

...

Автомобили
Астрономия
Биология
География
Дом и сад
Другие языки
Другое
Информатика
История
Культура
Литература
Логика
Математика
Медицина
Металлургия
Механика
Образование
Охрана труда
Педагогика
Политика
Право
Психология
Религия
Риторика
Социология
Спорт
Строительство
Технология
Туризм
Физика
Философия
Финансы
Химия
Черчение
Экология
Экономика
Электроника

СЕРЕБРЯНЫЙ ВЕК» российских муз 3 страница





Помощь в ✍️ написании работы
Поможем с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой

 

Были в эпоху "серебряного века" поэты, которых трудно отнести к какому-либо определенному направлению. Среди них М.А. Волошин (1877-1932) и М.И. Цветаева (1892-1944).

В архитектуре вкус к "антиквариату" в сочетании с поисками нового сказался в нескольких направлениях. Среди них — модерн. Крупнейшим представителем этого стиля был Ф.О. Шехтель (1859—1926). По его проекту было выстроено причудливое здание в духе раннего модерна — дом С.П. Рябу-шинского на Малой Никитской улице в Москве (1900—1902). Особняк отличается подчеркнутой асимметричностью деталей — крылец, эркеров, балконов. Здание украшено широким мозаичным фризом. Детали здания создают пластичную композицию, оправданную функционально. В нем отразились основные достоинства модерна — изысканность стиля в сочетании с функциональным удобством. Эстетической приметой модерна является также некоторая изолированность здания от внешнего суетного мира.

Итак, в модерне родились позиции новой архитектуры: обращение к красоте минувшего в сочетании с рационалистическими конструктивными решениями. Отношение мастеров к ценностям прошлого всегда избирательно. Москва с узорочьем древнерусских храмов вдохновляла на возрождение традиций национального зодчества. Петербург оставался верен традициям строгого европейского классицизма. Вот почему возникли два взаимодополняющих течения в дальнейшем развитии модерна. В Москве развиваются идеи неорусской архитектуры, в Петербурге — неоклассической. Впрочем, архитектуру обоих течений можно встретить по всей России.

Прекрасным памятником неорусского стиля является здание Ярославского вокзала (1903), построенное Шехтелем. Это довольно асимметричное, но вместе с тем гармоничное сооружение. Оно выполнено по мотивам древнерусских храмов и монастырей. Заимствование национальной идеи старательно подчеркнуто в шатровом завершении левой угловой башни и в композиции центрального портала.

Петербургский неоклассицизм был иным. О нем можно судить прежде всего по работам И.А. Фомина (1872-1936). Лучшее творение архитектора — особняк А.А. Половцева на Каменном острове в Петербурге (1911). Перед нами не дворец, а как бы его копия, сделанная с усадебных строений. Здесь все напоминает XVIII век: парадный двор, главный корпус под куполом, разбегающиеся в стороны многочисленные колонны. Однако колонн слишком много и детали здания как бы заслоняют его стройную форму. Зато внутренняя часть объемна, удобна, подчинена функциональному замыслу, что дало повод одному из исследователей назвать творение Фомина "виртуозной архитектурной мистификацией начала XX века".

В неоклассицизме, как и в модерне, русская архитектура вернула утраченные было в XIX в. позиции и право на "собственный голос". Зодчество начала века предвещает грандиозные новаторские идеи конструктивизма 20-х годов, задохнувшегося позднее в псевдоклассике сталинской эпохи.

Более долговременными оказались тенденции неоклассицизма и классицизма в музыке[156].

Причины, по которым отдаленные эпохи вдруг начинают вызывать интерес мастеров искусств, различны. Русские композиторы начала XX в. пытались с помощью "моделей прошлого" решить вполне современные проблемы. Наиболее привлекательными в то время представлялись идеи, рожденные в полифонической музыке эпохи барокко, в раннем венском классицизме. Целительный источник "вечной красоты" воспринимался как основа дальнейшего развития музыки.

Развитие классицизма в Москве связано с творчеством С.И. Танеева (1856—1915). Стиль музыки Танеева отличается универсальностью, многогранностью национальных и европейских истоков, и в этом он — достойный сын "серебряного века".

Много лет композитор посвятил изучению полифонической музыки прошлых эпох. Увлеченность полифонией ярко отразилась в творчестве Танеева. Полифоническое мышление позволило композитору воплотить в музыке высокое духовное содержание и нравственные искания. Музыковед Б.В. Асафьев считал, что "ряд его произведений находится на грани интеллектуального становления музыки как философии". Самые известные его сочинения— кантаты "Иоанн Дамаскин" и "По прочтении псалма" (слова А.С. Хомякова), Четвертая симфония, опера "Орестея".

Классицистские позиции Танеева оказывали огромное влияние на развитие русской музыки. Будучи одним из самых любимых и уважаемых профессоров Московской консерватории, он сумел привить своим питомцам уважение к классике, строгость в оценках собственных творений. Среди учеников Танеева С.В. Рахманинов, А.Н. Скрябин, З.П. Палиашвили, P.M. Глиэр и многие другие.

Прямым наследником танеевской школы был Н.К. Метнер (1879/80-1951).

При жизни Метнеру не везло на критику. Его признавали большим, но "несовременным" мастером, упрекали в излишней холодности. После смерти Метнера почти забыли. В России это было вызвано эмигрантской судьбой композитора, умершего в Лондоне. За рубежом же Метнера всегда считали слишком "русским".

Круг творчества Метнера ограничен камерной музыкой. Наибольшей популярностью пользуются его сочинения для фортепьяно — сонаты и сказки. Многие из сонат программны, о чем свидетельствуют их заголовки: "Соната-баллада", "Соната-сказка", "Соната-воспоминание". Дух смятенности и порывистости выражен в "Грозовой сонате", о которой композитор писал: "... в ней отражается грозовая атмосфера современных событий".

Сказки Метнера — особая область его музыки, где преобладает лирическое начало, переданное в эпически-неспешных повествованиях. Их программные заголовки говорят о неисчерпаемой фантазии Метнера— "Сказка эльфов", "Сказка о птицах", "Шарманщик", "Нищий"...

Завершая разговор о неоклассицизме в русском искусстве "серебряного века", необходимо сказать несколько слов о творчестве молодого С.С.Мрокофьева (1891-1953).

Знаменитым Прокофьев стал после исполнения в 1912 г. своего Первого фортепианного концерта. Сочинение поразило слушателей смелостью, энергией, могучим напором, упругими ритмами. Однако далеко не все критики отнеслись к произведению справедливо. Многие не приняли нового, яркого дарования, столь непохожего в своих "варваризмах" на русскую классику.

Исполнение почти каждого сочинения молодого Прокофьева, среди которых гениальные "Скифская сюита" и Второй фортепианный концерт, проходило в обстановке шумных скандалов. "Бунт против правил" в искусстве всегда прощают немногим. Новаторство прокофьевского стиля в те годы признавали лишь знатоки.

Самой значительной работой раннего периода творчества композитора является "Классическая симфония" (1916).

В отличие от многих художников и композиторов "серебряного века", которые старались возродить забытые старинные формы, отбросив свое, индивидуальное, Прокофьев всегда подчеркивает личное отношение к использованным "моделям". Для него было важно сохранить собственный голос— интонацию, ритмику, гармонию. Неоклассическое же выражалось в особой стройности, цельности формы, ясности драматургических решений. Сплав "разновременных" средств выразительности способствовал рождению в ранних сочинениях неповторимого прокофьевского стиля, развитого уже в зрелом творчестве.

Своеобразным перекрестком, где сошлись художественные новации "серебряного века", было творческое объединение "Мир искусства".Объединение родилось из студенческого кружка, сплотившего во имя "служения искусству" А.Н. Бенуа, Л.С. Бакста, Д.В. Философова и др. Этапным событием в истории объединения стало издание первого номера журнала "Мир искусства" в начале 1899 г. (редактор С.П. Дягилев, зав. литературной частью Д.В. Философов, зав. художественным отделом — А.Н. Бенуа). Открывала журнал знаменитая статья С.П. Дягилева "Сложные вопросы" (главным автором текста был А.Н. Бенуа), в которой декларировалась эстетика искусства новой эпохи. Статья провозглашала отказ от реализма и "утилитаризма" XIX в. и призывала художников идти путем "чистого искусства", освобожденного от оков "общественного служения".

Идеалы служения красоте и гармонии, к которому призывал журнал, оказались близки многим мастерам. "Мир искусства" постепенно превратился в самое многочисленное и авторитетное объединение художников. Среди них К.А. Сомов, Б.М.Кустодиев, М.В. Добужинский, Л.С. Бакст, Н.К. Рерих, В.А. Серов, М.В. Нестеров, М.А. Врубель и др.

Эстетику "мирискусничества" разделял известный мастер В.А. Серов (1865—1911). В поле зрения зрелого художника оказались исторические деятели прошлых эпох. Серию работ, посвященных времяпрепровождению царских особ XVIII в. — Петра I, Елизаветы, Екатерины II, — завершает известное полотно "Петр I" (1907). Сравнивая эти работы с ранними полотнами (например, "Девушка с персиками", "Девушка, освещенная солнцем"), понимаешь, какой большой путь прошел мастер от школы "передвижничества" до новых направлений. В 1910г. им было написано "античное панно" — картина "Похищение Европы". На полотне нет реального пространства. Образ безбрежного океана условно-театрален. Лицо Европы напоминает либо античную статичную кору, либо актерскую маску. Кажется, будто художник увидел древний миф сквозь призму театрального действа.

Всю свою жизнь Серов литал интерес к людям творческих профессий. Он создал прекрасные портреты Горького, Римского-Корсакова, Шаляпина, Ермоловой, отразив в них неординарность внутреннего мира больших художников. Одной из последних работ Серова был портрет графини Ольги Орловой. Театрализованный, искусственный характер мира, в котором живет героиня полотна, подчеркнут многими деталями. Напоказ выставлены редкие и очень дорогие вещи — картины, ваза, старинная мебель, соболий палантин, жемчужное ожерелье. Кажется, что именно вещи являются главными "героями" полотна. Гордая, несколько вычурная поза немолодой красивой аристократки лишь углубляет "антикварный" оттенок работы, стиль которой словно позаимствован из парадных портретов эпохи классицизма.

Глубокое воплощение идеология нового искусства получила в творчестве А.Н. Бенуа (1870—1960). Он был крупнейшим теоретиком искусства. Им написаны десятки статей и книг, многие из которых, к сожалению, до сих пор не опубликованы.

Художественное кредо Бенуа, его пристрастие к театральности в полной мере воплотилось в одном из самых известных его полотен — "Прогулка короля" (1906). На фоне сумеречного прозрачного вечернего неба изображены неспешно движущиеся фигуры: старый король, беседующий с фрейлиной, придворные, идущие чуть впереди и чуть сзади. Старинные фасоны одежды, длинные завитые парики, мальчики-пажи — все это атрибуты театрально-пышного церемониала версальской жизни "короля-солнца" Людовика XIV. Своеобразный спектакль наблюдают столь же своеобразные "зрители" — шустрые обнаженные каменные амурчики, беспечно развалившиеся на фонтане. Динамика этой скульптурной группы резко контрастирует со статичностью изображенных людей. Сместились привычные понятия: мир камня — живой, мир людей — театральный, мистифицированный, нереальный.

В обнаженном, жестоком виде ирония отразилась в творчестве К.А, Сомова (1869—1939). Основная идея многих его работ поразительно пессимистична. Искусственный мир, порочная фальшивая жизнь — вот удел сомовских героев, погруженных в бессмысленную череду невеселых праздников. Образы полотен Сомова подобны театральным куклам, их веселье обманчиво, а старинные туалеты — всего лишь антураж, который можно сбросить, покидая сцену. Художник, словно предчувствуя наше время, подчеркнул трагизм отчужденности человека от природной естественной красоты. Такова героиня его известного шедевра "Дама в голубом" (1897—1900), чей беспомощный взгляд на фоне декоративного мертвого сада надолго остается в памяти.

Еще более мрачными пророчествами насыщены полотна М.В. Добужинского (1875—1957). Его программной работой является полотно "Человек в очках" (1905—1906). Человек отчужден от мира, но и сам современный мир — продукт искусственной жизни. Его приметы — заводские трубы, громадные каменные дома, уродливые промышленные склады. Худой интеллигент, запечатленный на урбанистическом фоне, кажется забавным излишеством, а его существование — лишенным всякого смысла. Вглядимся в осунувшееся лицо этого городского жителя! В нем явственно проступают контуры черепа, черты смерти. Это не напоминание об естественной бренности бытия. Художник воплотил полную трагического смысла идею о гибельности индустриального пути, избранного человечеством.

Театральная живопись — основная сфера творческих интересов самобытного мастера "Мира искусства" Л. С. Бакста (1866—1924). "Моделями" его стиля явились культурные традиции греческой архаики, эгейской классики, экзотического Востока. Признанными шедеврами искусства Бакста стали декорации к таким балетным спектаклям, как "Шехеразада" на музыку Н.А. Римского-Корсакова, "Жар-птица" на музыку И.Ф. Стравинского, "Дафнис и Хлоя" на музыку М. Равеля.

К реформе театральной живописи непосредственное отношение имел КК. Рерих (1874-1947), начавший путь в творчестве с "Мира искусства".

Художник и мыслитель прожил в России сорок два года, около двадцати лет были отданы Индии, несколько лет он провел в США и путешествиях. Всемирную славу принес мастеру так называемый "Пакт Рериха", положенный в основу Международной конвенции о защите культурных ценностей.

Жизнь этого художника поразительна. Рерихом создано свыше семи тысяч картин, которые разошлись по коллекциям всего мира. Им написаны десятки научных и философских работ, запечатлевших духовные искания, открытия, заблуждения одаренного человека. В молодости Рериха влекли сюжеты из древнерусской истррии, языческих верований и славянского фольклора. В числе известных "языческих картин" — полотно "Идолы" (1901). На полотне— высокий холм. Это древнее языческое капище, где приносили жертвы деревянным идолам. На частоколе, окружившем капище, черепа животных, убитых во время священных действ. Вокруг — застывшая девственная природа.

Древнерусская тема воплощалась молодым художником в разных "вариациях". В работе "Заморские гости" (1901) отразился красочный мир народных сказок и былин. В динамической картине "Город строят" (1902) воплощен бытовой эпизод жизни наших предков. Элементы пантеистического мистицизма чувствуются в произведениях "Небесный бой" (1909), "Человечьи праотцы" (1911).

К вечно живому источнику русской национальной жизни обращался и такой крупный мастер, как Е.М. Кустодиев (1878—1927). Ученик И.Е. Репина, он вошел в "Мир искусства" достаточно поздно, в 1911 г., будучи уже состоявшимся мастером. Модели "чужих культур" не привлекали Кустодиева. Ему был более близок облик старинной русской архитектуры, жизнь провинциальных российских городков, красота родной природы. С добродушной иронией живописует он быт купечества в работе "Чаепитие" (1913), народный праздник в "Масленице" (1916).

Кустодиев был одним из немногих "мирискусников", отразивших политические коллизии революционной России. Таковы его работы "27 февраля 1917 года", "Большевик". При всей декоративной условности последнего полотна, в нем удивительно тонко угадана истинная суть большевизма, поправшего в своем чудовищном идеализме судьбы миллионов людей.

В середине 1900-х гг. жизнь "Мира искусства" весьма осложнилась. Эстетические противоречия и "разность мыслей" входивших в него художников оказались препятствием для сохранения даже видимости единства. Прекращаются издание журнала и совместные выставки. С.П. Дягилев переключает внимание единомышленников в новую сферу, связанную с практическим воплощением захватывающей идеи синтеза искусств в музыкальном театре.

В дягилевском театре фактически родился современный балет, который из пышного придворного зрелища превратился в искусство, способное выразить и философскую драму, и шарж. В его основе лежала живописно-пластическая выразительность, соответствующая известному изречению Т. Готье: "Танец — это движущаяся живопись". Особая роль в создании "движущейся живописи" нового балета принадлежала художникам. Живописец был полноправным соавтором спектакля наряду с композитором и хореографом. Некоторые из художников вполне зарекомендовали себя как талантливые сценаристы (Бенуа, Рерих, Бакст). В дягилевской антрепризе участвовали и французские мастера. Так, например, шесть спектаклей были сделаны по эскизам П.Пикассо.

Дягилев был организатором знаменитых "Русских сезонов" в Париже. Свое победное шествие по Европе "Русские сезоны" начали 6 мая 1908 г., когда состоялась премьера оперы Мусоргского "Борис Годунов". Автором декораций был А.Я. Головин. Партию Бориса Годунова исполнил Ф.И. Шаляпин. Зрители были покорены неповторимым тембром шаляпинского голоса, его игрой, полной трагизма и сдержанной силы. Образ этот и сегодня с нами: позднее Головин написал портрет великого певца в костюме "преступного царя". В балетных спектаклях "Русских сезонов" участвовали лучшие танцоры русской императорской сцены, в том числе несравненная А.П. Павлова, чей облик в рисунке В.А. Серова стал эмблемой гастролей, а также М.М. Фокин, В.Ф. Ни-жинский, Т.П. Карсавина и др.

Особый успех имели "экзотические" балеты 1910 г. В то лето парижане увидели "Шехеразаду" (музыка НА. Римского-Корсакова) и специально созданный для дягилевской труппы балет молодого композитора И.Ф. Стравинского "Жар-птица".

Прекрасные спектакли дягилевекой труппы радовали Европу на протяжении почти двух десятилетий. Вот перечень лишь некоторых премьер:

1909 — "Павильон Армиды" (Н. Черепнин, А. Бенуа, М. Фокин);

1910— "Жар-птица" (И.Стравинский, А.Головин, М. Фокин, Л. Бакст);

1911 — "Нарцисс и Эхо" (Н. Черепнин, Л. Бакст); "Петрушка" (И. Стравинский, А Бенуа, М. Фокин);

1913 — "Весна священная" (И. Стравинский, Н. Рерих, В. Нижинский);

1914- "Мидас" (М. Штейнберг, Л.Бакст, М. Добужинский);

1921 — "Шут" (С. Прокофьев, М. Ларионов, Т. Славинский);

1927 — "Стальной скок" (С. Прокофьев, Г. Якулоз, Л. Мясин);

1928 — "Аполлон Мусагет" (И. Стравинский, Д. Баланчин); "Блудный сын" (С. Прокофьев, Ж. Руо, Д. Баланчин)[157].

Пожалуй, никогда ранее русское искусство не оказывало столь масштабного и глубокого влияния на европейскую культуру, как в годы "Русских сезонов". Выдающийся антрепренер С.П. Дягилев познакомил европейскую публику с многими крупными мастерами России. Но, пожалуй, главным "открытием" Дягилева был И.Ф. Стравинский (1882—1971).

Знаменитым Стравинский стал в 28 лет. Именно в этом возрасте написал он свой первый балет по заказу Дягилева. Балет назывался "Жар-птица" и был создан по мотивам русских народных сказок о Жар-птице и Кащее Бессмертном. Сценарий создал М.М. Фокин при дружеском участии художников А.Н. Бенуа и А.Я. Головина. Эскизы декораций и костюмов сделал А.Я. Головин совместно с Л.С. Бакстом. Стравинский с первых шагов заявил о себе как о самобытном и "по-европейски" мыслящем мастере. Мир его музыкальных интересов был безграничен, включал и русскую народную песню, и музыкальную классику, и открытия французских импрессионистов. В полной мере яркая индивидуальность композитора проявилась в его балете "Петрушка", премьера которого была триумфальной.

Карнавальный разгул масленичного гулянья послужил для композитора источником смелых музыкальных новаций. С "Петрушки" обозначился важнейший идейно-образный поворот в стиле Стравинского. Ожившие куклы и трагическая развязка, веселая толпа и страдания несчастного, одинокого героя воплотились в музыке, наполненной ладо-гармоническими, ритмическими и тембровыми находками.

Успех "Петрушки" и окрылял, и обязывал. Стравинский мог и далее спокойно разрабатывать "лубочную" тему. Однако его влекли новые, неизведанные горизонты искусства. На этом тернистом пути новаторства родился новый балет — "Весна священная" — "картины языческой Руси".

"Весна священная" лишена развернутого сюжета. Балет состоит из двух частей-картин — "Поцелуй земли" и "Великая жертва". В каждой из них чередуются групповые сцены, воспроизводящие различные древнеславянские обряды: весенние гадания девушек, девичьи хороводы, умыкание невесты, шествие Старейшего-мудрейшего, поклонение Земле. Заканчивается балет Великой жертвой — закланием прекрасной молодой девушки в честь солнечного божества.

Эволюция Стравинского-композитора в процессе работы над музыкой "Весны" была поразительной. Величественный дух языческой Руси стимулировал поиск новых интонаций, ритмов и красок. Музыкальные находки Стравинского достигают небывалой степени сложности. Стравинский идет по пути дальнейшего развития ладовых и гармонических средств музыкальной выразительности, создает непривычно звучащие краткие тематические образования и жесткую всепоглощающую ритмику. Мелодии "Весны" лишены распевности и лиризма. Они скорее напоминают краткие языческие "заклички" самого древнего пласта русской народной песенности.

Как уже говорилось, в России романтические тенденции были приглушены мощным влиянием реалистической школы. Ни литература, ни живопись, ни музыка XIX в. не исчерпали безграничных возможностей романтической эстетики. Взлет романтизма в русском искусстве совпал с наступлением "серебряного века", когда романтическое мироощущение становится своего рода антитезой новомодным авангардным устремлениям.

Романтизм этого времени не был единым художественным направлением в строгом смысле слова. Речь идет прежде всего о многоплановой романтической образности, которая выражалась, например, в накале страстей у поэтов-символистов, в развитии лирико-психологической темы у мастеров русского пейзажа, во внимании к философским проблемам жизни и смерти в музыке.

И.И.Левитан (1860—1900) как профессионал состоялся очень рано. Он был знаменит уже в 19 лет, когда создал свое известное произведение "Осенний день. Сокольники". Ученик Саврасова, Левитан в этой работе выступает как приверженец школы передвижников. В полной же мере индивидуальность художника раскрылась позднее, на рубеже 80-х — 90-х гг. ("Владимирка", "Над вечным покоем").

Среди лирических полотен Левитана заслуженной любовью пользуются пейзажи, изображающие русскую природу. В этих работах мы словно слышим авторский голос, раскрывающий внутреннее состояние незримо присутствующего героя картины. Таков пейзаж "Березовая роща" (1885—1889), где художнику удалось передать настроение искреннего восторга от игры солнца в свежей зелени недавно распустившихся берез. Таковы работы "Март" (1895) и "Золотая осень" (1895), где пейзаж является средством отражения разнообразной гаммы настроений-переживаний, рожденных впечатлением весеннего и осеннего обновления природы.

Выдающимся мастером импрессионистического[158] письма являлся К.А. Коровин (1861—1939). В отличие от Левитана, он не стремился к пейзажам-обобщениям. Художника с молодости влекла красочная сторона праздничной жизни. Гедонист по натуре, Коровин словно не замечал трагедийной сущности своего времени. Ему нравились гармоничные, порой декоративные формы, яркий колорит, цветовые эффекты. В пейзажах художник стремился решить прежде всего чисто живописные проблемы. Так, в работе "Зимой" (1894) он мастерски сочетает черные и серые тона на белом фоне, создавая удивительное богатство "встречных" оттенков. На полотне знакомая российская картина: снег, изба, реденький забор, лошадь, впряженная в сани...

Не менее красочны зарубежные полотна Коровина. Впечатления от Парижа художник воплотил в произведениях, объединенных названием "Огни Парижа", где продемонстрировал удивительную чуткость к манере французских импрессионистов, сохранив собственную творческую оригинальность.

Иным был творческий путь М.В. Нестерова (1862—1942). России монашеской и монастырской, России просветленной и молящейся посвятил свою музу художник. Начало этой темы было положено в работе "Пустынник" (1888—1889). В ней Нестеров воплотил идеал своих нравственных исканий — облик человека, слитого с природой, отрешенного от суетной жизни. Религиозной просветленностью чувств наполнены и другие полотна: "Святая Русь", "Великий постриг". Его вдохновенной кисти принадлежат знаменитые росписи на стенах Владимирского собора в Киеве. Благодатной тишиной, покоем, тихой радостью откровений веет от одной из лучших работ мастера "Видение отроку Варфоломею" (1890), посвященной важному эпизоду жития святого Сергия Радонежского.

Мир музыкального романтизма "серебряного века" необычайно разнообразен. Тонким романтическим композитором был А.К. Лядов (1855—1914). Как многие русские интеллигенты, он презрительно относился к мещанскому благополучию и обывательщине. Подобно Левитану или Нестерову, Лядов отстаивал идеалы "вечной красоты", умел находить бесценные крупицы гармонии в хаосе безумных человеческих страстей. Произведения Лядова миниатюрны, их стиль удивительно обаятелен. Композитор полон внимания к "деталям" человеческих чувств и настроений. "Не вдаваясь в теснины психологизма, не стремясь подчеркнуть контрасты чувствований, Лядов ищет новых оттенков душевного тепла", — отозвался о его музыке Б.В. Асафьев. "Душевное тепло" композитор обретал прежде всего в народном творчестве.

Творческий подъем испытал Лядов в последнее десятилетие своей жизни. В начале XX века он сближается с новым поколением русских живописцев, увлекается идеями "Мира искусства". Высочайшая требовательность к себе и изысканный вкус проявились в трех симфонических миниатюрах— "Баба Яга", "Кикимора", "Волшебное озеро".

Лирическим композитором был А. С. Аренский (1861—1906). Подобно Лядову, он не искал в искусстве драматических коллизий или философской глубины. Его музыка наполнена камерными задушевными настроениями и переживаниями. Наиболее популярным сочинением Аренского стала "Фантазия на темы Рябинина" для фортепьяно с оркестром.

Вершина русской музыки "серебряного века" — творчество С.В. Рахманинова (1873—1943). Глубоко индивидуальный эмоционально-приподнятый мир его искусства рожден исконно русскими духовными традициями, органической связью с русской природой и образом Родины.

С юности Рахманинов выделялся феноменальной одаренностью как пианист и композитор. В 1891 г. он блестяще окончил Московскую консерваторию по классу фортепиано. Не менее значительны были его успехи и в композиции. В консерваторские годы был написан Первый концерт для фортепиано с оркестром, исполненный юношеского романтического порыва. В качестве дипломной работы Рахманинов представил оперу "Алеко" по поэме А.С. Пушкина "Цыганы" (1892г.; поставлена в Большом театре в 1893 г.).

В начале XX в. Рахманинов переживает духовный подъем и создает новые крупные сочинения, вошедшие в золотой фонд музыкальной культуры: Второй и Третий концерты для фортепиано с оркестром, оперы "Скупой рыцарь" и "Франческа да Римини", симфоническую поэму "Остров мертвых", поэму для симфонического оркестра, хора и солистов "Колокола" (текст Э. По в переводе К.Д. Бальмонта).

Подобно многим своим современникам-интеллигентам, революцию Рахманинов не принял. Осенью 1918г. он навсегда поселился за рубежом. Разрыв с Родиной был для Рахманинова огромной личной трагедией: в течение десяти лет он почти не сочиняет музыки.

В эмиграции Рахманинов интенсивно и успешно гастролирует. Ему рукоплещут Америка и Европа. Он приобретает славу одного из первых виртуозов мира. Способность же творить вернулась к композитору лишь во второй половине 20-х гг. В поздний период творчества его музыка приобретает новые черты, окрашенные трагическим мироощущением и интеллектуализмом философских обобщений. Глубокая душевная драма мастера отразилась в образном строе Четвертой симфонии, Вариациях на тему Корелли для фортепиано, Рапсодии на тему Паганини для фортепиано с оркестром, в Симфонических танцах для оркестра.

Самую большую популярность и поистине всенародную любовь принесли Рахманинову его произведения для фортепиано с оркестром. Цельностью и особой поэтичностью отмечен знаменитый Второй концерт (1901), премьера которого была воспринята современниками как событие, равное постановке "Вишневого сада" на сцене МХТ. Как писал Н.К. Мегнер: "...каждый раз с первого же колокольного удара чувствуешь, как во весь свой рост подымается Россия". Современный же исследователь О.И. Соколова назвала концерт "гениальной поэмой о Родине"[159]. В концерте ярко выражена национальная суть одаренности мастера. Крупные формы композиции заставляют вспомнить монументальные новгородские и киевские фрески, могучая колокольность — героические страницы былинного эпоса, лирическая утонченность — русские пейзажи.

Доверь свою работу ✍️ кандидату наук!
Поможем с курсовой, контрольной, дипломной, рефератом, отчетом по практике, научно-исследовательской и любой другой работой



Поиск по сайту:







©2015-2020 mykonspekts.ru Все права принадлежат авторам размещенных материалов.